Lektionen aus der Berliner Tanzszene
Die Choreografin und Tänzerin Sasha Amaya reflektiert in ihrem Text, wie Generationen nicht klar getrennt nebeneinanderstehen, sondern sich ineinanderschieben, überlagern und gegenseitig prägen. Sie erinnert daran, dass der Körper ein Archiv ist, das Erinnerungen trägt und Bewegungen speichert, während wir weiter tanzen und älter werden. Mit einer feinen Mischung aus persönlicher Erfahrung und praktischen Hinweisen beschreibt sie, wie es gelingen kann, in einer oft fordernden Kunstwelt einen eigenen Weg zu finden. Sie erinnert daran, dass es im Tanz nicht darum geht, ewig „emerging“ zu bleiben, sondern sich weiterzuentwickeln und tiefer zu gehen – und plädiert für eine Praxis, die das Altern nicht fürchtet, sondern als Teil des künstlerischen Weges versteht.
Text: Sasha Amaya
Choreografin und Tänzerin
Was bedeutet es, zu altern, zu wachsen, von einer Generation zur nächsten zu wechseln? Es scheint so, als ob man sich Generationen oft als kleine Waggons vorstellt, die miteinander verbunden sind, sich aber nicht nur in ihren Vorlieben und Gewohnheiten unterscheiden, sondern auch in ihrem metaphysischen und epistemologischen Ballast.
Doch unsere eigenen Erfahrungen widerlegen diese Unterteilung: sowohl zwischen den Generationen als auch in den Veränderungen, die wir erleben, wenn wir von einer Generation zur nächsten übergehen. Und selbst wenn wir diesen Diskurs über abgegrenzte Generationen wiederholen, finden wir in jedem von uns unzählige Ichs – wie uns der Körper als Archiv so oft in Erinnerung gerufen hat – sowie tiefe Resonanzen zwischen den Generationen. Unser Selbst ist in der Tat eher wie die Kreise eines Baumes aufgebaut, wie die Psychotherapeutin Gianna Williams festgestellt hat. Wir wachsen zusammen als Wald auf, wobei Ring auf Ring, Erinnerung auf Erinnerung wächst und wir die ersten Erfahrungen nicht hinter uns lassen, sondern uns durch diese entfalten. Ich habe einmal ein Sprichwort gehört, das besagt, einen Akzent zu haben bedeutet, mehr als eine Sprache zu sprechen. Alt (älter) zu sein, bedeutet also, mehrere Generationen in sich zu tragen.
Was hilft uns also, im Tanz aufzuwachsen? Was hilft uns, unsere Erfahrungen zu schichten? Tiefgreifender, resonanter zueinander und miteinander zu werden? Der westliche professionelle Tanz war nicht immer der beste, wenn es darum ging, die Kraft und Schönheit von tiefsitzendem Wissen zu erkennen, aber auch hier in Berlin haben wir unsere Ältesten im Tanz. Und wenn man in diese Stadt kommt, erweist sich die Kultur der „Ehrlichkeit ist eine Tugend“ als besonders großzügig in ihren Weisheitsgeschenken.
Du musst weiter tanzen. Tanz gibt es in vielen Formen, und Du solltest Deine eigene Art und Weise finden, dies zu tun, während Du alterst und älter wirst. Das Zuschauen und der Unterricht bei laborgras, das Tanzen in vier Generationen mit Gisela Müller, Christine Vilardo und Gabriele Reuter beim 40-jährigen Geburtstag der Tanzfabrik und das Bewegen an der Seite von Mitgliedern der Dance On Company bei Pilates, Yoga und professionellen Morgenklassen erinnern mich daran, wie wichtig es ist, eine Praxis zu finden, die für einen selbst funktioniert, und einfach weiter zu üben. Oder, wie die Pilates-Lehrerin und Tänzerin Yuko Matsuyama mich einmal erinnerte: Du kannst Pilates machen, so viel du willst, aber wenn du besser im Tanzen werden willst, musst du weiter tanzen.
Sei ein gutes Teammitglied: Finde die richtige Zeit und den richtigen Ort für die richtige Aktion. Eine der besten Arbeitserfahrungen, die ich als Nachwuchskünstlerin gemacht habe, war die Zusammenarbeit mit Alexandra Hennig als Outside Eye bei den Tanztagen. Alex war im Rahmen unseres Prozesses kritisch, aber am Tag der Premiere hat sie, ausgestattet mit hyperdetailliertem Wissen aus dem Prozess, die Arbeit leidenschaftlich und eloquent verteidigt. Das hat mich viel darüber gelehrt, dass die inneren und äußeren Anforderungen an ein Stück sehr unterschiedlich sein können (und oft auch sind), was eine*n gute*n Kolleg*in ausmacht und dass das Ziel immer das Werk selbst sein sollte.
Du wirst nicht ewig ein aufstrebende*r Künstler*in sein, und Du wirst einen neuen Plan brauchen. Als ich letzten Herbst in den Sophiensaelen eine etablierte Künstlerin traf, erzählte ich ihr, wie erschöpft ich von dem nicht enden wollenden Arbeitsfieber war, das mich gepackt hatte. Sie antwortete mir: "Das ist eine Entscheidung. Was Du tust, ist ganz normal für Menschen in den ersten fünf Jahren ihrer Karriere. Und außerdem wird es nicht ewig so weitergehen." Als jemand mit einem befristeten Visum und einer Menge Stress, der damit verbunden ist, ärgere ich mich immer, wenn mir Europäer*innen sagen, es sei meine Entscheidung, so hart zu arbeiten. Aber sie hatte einen wirklich guten Punkt, der, anders ausgedrückt, lautet: Versuche, innerhalb der höchst ungleichen äußeren Parameter, die wir uns nicht aussuchen können, die innere Entscheidung zu treffen, wie Du arbeiten willst. Sei Dir Deiner Prioritäten bewusst, und vergiss nicht, den Blick nach außen zu richten. Das Leben geht nicht ewig weiter. Und der Status aufstrebender Künstler*innen definitiv auch nicht. Finde also Arbeitsweisen, die in Deinen Werten verwurzelt sind, damit Du weitermachen kannst, wenn nicht mehr alles glänzt und neu ist. Bleib nicht zu sehr in der Illusion gefangen (denn es ist eine Illusion), sondern finde eine echte Praxis und aktualisiere sie nach Bedarf.
Aber behalte diese Perspektive in Deinem Prozess. Im Ausland, wo die Szenen oft kleiner sind, habe ich die Erfahrung gemacht, dass man innerhalb eines Projekts häufiger generationenübergreifend arbeitet, sowohl mit jüngeren als auch mit älteren Kolleg*innen. Höre auf Deine älteren Kolleg*innen, die alles schon einmal gemacht haben, aber auch auf Deine jüngeren Kollegen, die ihre eigenen Sichtweisen und Weisheiten mitbringen.
Baue Dein Netzwerk auf – und lasse es auf Gegenseitigkeit beruhen. Arbeite mit Menschen zusammen, die auch mit Dir arbeiten wollen. Arbeiten mit Institutionen, die auch mit Dir kooperieren wollen. Es ist wie bei einer Verabredung. Es muss in beide Richtungen gehen. Das hört sich super einfach an, aber man vergisst leicht, welche Institutionen gerade angesagt sind und welche Macht sie haben, um Dich nach oben zu bringen. Das ist nicht nichts. Und wenn man, wie ich, nicht in der Stadt studiert hat, muss man seine Kontakte selbst knüpfen. Es ist also notwendig, die Hand auszustrecken, aber wenn das Interesse nicht auf Gegenseitigkeit beruht, sollte man es lassen. Die Tanzkünstlerin Lea Moro hat mir einmal einen guten Rat gegeben: Suche Dir ein paar Institutionen, mit denen Du wirklich etwas anfangen kannst, und baue eine Beziehung zu ihnen auf. Zu diesem Zeitpunkt bewarb ich mich für so viele verschiedene Dinge, und das war anstrengend, fremdbestimmt und geografisch weit verstreut. Ich konnte den Rat nicht sofort umsetzen, aber ich habe in den folgenden Jahren darauf aufgebaut.
Kurator*innen sind unsere Kolleg*innen. Das deutsche System verleiht den Kurator*innen eine enorme Macht, aber sie sind im Grunde auch unsere Kolleg*innen. Es ist in Ordnung, auf sie zuzugehen und sie um Dinge zu bitten. Auch das gehört zu ihrem Job. Sie sind keine Feinde, sondern Kolleg*innen, mit denen man ins Gespräch kommen kann.
Treibe Dich nicht zur Erschöpfung: Vertiefe Dich in Deine Recherchen. Ich habe den Künstler und Choreografen Adam Man einmal um Rat gefragt, wie man nachhaltiger arbeiten kann, und erhielt folgenden Ratschlag: Vertiefe Dich in Deine Recherchen, damit Werke aus der gleichen Quelle schöpfen können, sowohl im Hinblick auf die Tiefe des Werks selbst als auch, um nicht jedes Mal neu beginnen zu müssen. Zweitens: Versuche, andere Arbeitsstrukturen zu finden und/oder zu gründen, die Dir neben den Produktionsprojekten ein kleines Nebeneinkommen verschaffen.
Die Kunstwelt ist manchmal wirklich beschissen, aber es gibt Ressourcen da draußen. Die Kunstwelt kann manchmal so furchtbar sein. Es gibt keine Aufsicht. Keine Garantien. Kein Regress. Keine Personalabteilung. Es gibt eine Menge Unwahrheiten und Unfreundlichkeiten. Es gibt auch Mobbing, sexuelle Belästigung und Übergriffe. Es ist ziemlich einsam und deprimierend, und es ist möglich, dass man ausrastet, sich pleite und allein fühlt und mit seinem Latein am Ende ist. In einigen meiner schwärzesten Zeiten bekam ich einige harte Ratschläge von Veteranen der deutschen Tanzszene. Es gab nicht viel Mitleid, und ich wurde definitiv nicht zu der Annahme verleitet, ich könnte die Situation ändern. Vielmehr wurde ich gefragt, ob und wie die Person XYZ Macht über mein Leben hat. Wenn sie unbedeutend war, sollte ich versuchen, sie loszulassen. Wenn sie bedeutend war, war ich stark und konnte sie überwinden. Und vor allem, wenn es sich um eine Krise handelte, gab es in Deutschland spezielle Anlaufstellen für finanzielle Probleme, Sexismus, Belästigung, psychische Krisen und Rassismus: Für mich waren Touring Artists, Diversity Arts Culture, Themis und die Amadeus Stiftung besonders hilfreich.
Die Menschen werden dich missverstehen. Der Tänzer und Lehrer Jan Burkhardt hat mich daran erinnert, dass ich loslassen muss, um verstanden zu werden. Das war eine der schwierigsten Lektionen, die ich zu lernen hatte. Nimm Feedback an, gib deine Fehler zu und sei flexibel. Aber wenn die Leute nur Kritik üben, nicht neugierig auf deine Sichtweise sind und nie eine gemeinsame Lösung finden, dann musst du das loslassen und akzeptieren, dass es von Zeit zu Zeit zu Missverständnissen kommen wird. Das ist ein Teil des Lebens.
Aber Hilfe kommt auch von überall. Einige wirklich besondere Gelegenheiten haben sich durch horizontale Verbindungen ergeben: Kolleg*innen, Lehrer*innen, Kostüm-, Licht- und Sounddesigner*innen. Diese Menschen sind eng mit unseren Prozessen verbunden, kennen unsere Arbeit, sehen uns bei der Arbeit und haben daher ein sehr genaues Gespür dafür, wo ein Werk Resonanz finden oder wie sich eine künftige Zusammenarbeit entwickeln könnte. Auch ohne vordergründige Machtpositionen haben wir die Möglichkeit, die Dinge füreinander zum Besseren zu wenden.